Chaos.
Von Donald X. Vaccarino (ca. 45-90 Min.; 1-5 Spieler)
Moon Colony Bloodbath bricht radikal mit einer der wichtigsten Grundregeln moderner Brettspiele: Dem belohnenden Gefühl, sich über die gesamte Spieldauer etwas Bleibendes aufzubauen. Der für das Kennerspiel des Jahres nominierte Titel wirft die Spielenden in das Szenario einer vermeintlich perfekten Mondkolonisation, die jedoch im Laufe einer Partie unweigerlich in einer mechanischen und personellen Katastrophe mündet. Wo andere Spiele mit „Engine-Building“ auftrumpfen, zwingt dieser Titel sein Publikum in ein schmerzhaftes „Engine-Losing“, bei dem man zusehen muss, wie das eigene Werk systematisch dem Erdboden gleichgemacht wird.
Das Spielprinzip basiert auf einem zentralen, gemeinsamen Ablaufstapel, der von allen Beteiligten genutzt wird und die Runden strukturiert. Zu Beginn ist die Welt auf dem Mond noch in Ordnung. Der Stapel besteht fast nur aus „Arbeitskarten“, die es jedem erlauben, Ressourcen wie Geld oder Nahrung zu generieren, Kolonisten anzuwerben und neue Gebäude wie Hotels oder Minen in der eigenen Auslage zu errichten. Diese Gebäude bringen wertvolle Soforteffekte oder dauerhafte Vorteile. Doch die Idylle trügt, denn parallel mischen die Spielenden über gezogene „Problemkarten“ immer neue Katastrophen, bürokratische Hürden und vor allem Amok laufende Roboter in denselben Stapel. Wird im weiteren Verlauf eine solche Karte aufgedeckt, betrifft der negative Effekt schlagartig alle Kolonien gleichzeitig. Die Roboter fangen an, die mühsam errichteten Basen wieder abzubauen, während Unfälle und Hunger die Bevölkerung unaufhaltsam dezimieren. Das Spiel endet bitterböse, sobald die erste Kolonie komplett ausgelöscht wurde oder das 13. Ereignis eintritt. Es gewinnt schlicht die Person, die am Ende noch die meisten Überlebenden vorweisen kann.
Wer sich an diesen Tisch setzt, muss zwingend akzeptieren, mühsam erworbene Karten und mühsam aufgebaute Strukturen ständig wieder komplett zu verlieren. Das Spiel verzeiht kein klammerndes Festhalten an der eigenen Auslage. Jede mühsam optimierte Produktionskette ist nur temporär und kann schon in der nächsten Runde durch einen Systemfehler der Roboter in Schutt und Asche gelegt werden. Wer diese psychologische Hürde nicht überspringen kann und eine klassische, belohnende Wirtschaftssimulation erwartet, bei der das eigene Imperium von Runde zu Runde wächst, wird unweigerlich von tiefem Frust überwältigt werden. Moon Colony Bloodbath zieht seinen Spielspaß nicht aus dem Triumph des Erschaffens, sondern aus dem bittersüßen Management des unaufhaltsamen Verfalls und der Frage, wer den unbarmherzigen Abwärtstrend am geschicktesten hinauszögern kann.
Moon Colony Bloodbath ist ein hochgradig unkonventionelles und mechanisch faszinierendes Taktikspiel, das die Brettspiel-Community spürbar polarisiert. Die Kombination aus kooperativem Deckbau für den Ablaufstapel und dem kompetitiven Überlebenskampf im eigenen Tableau erzeugt eine dichte, beklemmende Atmosphäre. Das namensgebende Blutbad bleibt auf dem Material zwar angenehm abstrakt, der spielerische Verlustschmerz ist dagegen absolut real. Wer die emotionale Reife besitzt, dem eigenen Untergang mit einer Portion Galgenhumor zu begegnen und das unvermeidliche Wegbrechen der eigenen Karten als zentrales Taktikelement versteht, erlebt ein herrlich frisches und angenehm unbarmherziges Weltraum-Abenteuer.
Fazit: Empfehlenswert.
Spiel: Moon Colony Bloodbath (alea)
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Buch: Martin, Marc – Alles über die Antarktis
Ein wimmliges Sachbilderbuch.
Das ewige Eis fasziniert die Menschheit seit jeher, doch selten wurde dieser eisige Kontinent so farbenfroh und lebendig porträtiert wie in Marc Martins Alles über die Antarktis, erschienen im Prestel Verlag. Das großformatige Sachbilderbuch bricht mit dem Klischee, die Antarktis sei nur eine karge, weiße Wüste, und nimmt kleine wie große Entdecker mit auf eine visuelle und informative Abenteuerreise zum südlichsten Ende der Welt.
Beim Durchblättern fällt sofort der unverkennbare, fast schon poetische Illustrationsstil von Marc Martin ins Auge. Mit einer Mischung aus Aquarell, Texturen und feinen Linien schafft er eine warme, einladende Atmosphäre, die den harten Lebensraum erstaunlich nahbar wirken lässt. Textlich bleibt das Buch stets auf Augenhöhe der Zielgruppe. Kurze, leicht verständliche und klug portionierte Informationshappen erklären geografische Gegebenheiten, das dortige Ökosystem und die Geschichte der Entdeckung. Uns hat an diesem Werk ehrlicherweise alles absolut begeistert, da es die perfekte Balance zwischen ästhetischem Kunstbuch und fundiertem Kindersachbuch hält. Jede Seite ist ein kleines Kunstwerk für sich, das zum Verweilen und Entdecken einlädt.
Zwei Abschnitte haben sich beim Lesen jedoch als die absoluten Highlights herauskristallisiert. Besonders faszinierend ist die Doppelseite über die „Forschungsstationen“. Hier wird eindrucksvoll und detailliert gezeigt, wie Wissenschaftler aus aller Welt in dieser extremen Isolation leben, arbeiten und den Elementen trotzen. Ebenfalls sehr gut gefallen hat die Doppelseite „Mitgebrachte Tiere“. Dieses Kapitel beleuchtet einen oft vergessenen Aspekt der Antarktis-Geschichte, nämlich den Einfluss der Tiere, die im Zuge von Expeditionen, ob als Nutztiere wie Schlittenhunde oder unfreiwillig als blinde Passagiere, den Kontinent erreichten. Diese beiden Fokusbrennpunkte verleihen dem Buch eine ganz besondere Tiefe, die weit über das übliche „Pinguine-und-Eisberge-Wissen“ hinausgeht.
Marc Martin ist mit „Alles über die Antarktis“ ein echtes Schmuckstück für das heimische Bücherregal gelungen. Es fesselt durch seine optische Opulenz und vermittelt gleichzeitig wertvolles Wissen über einen der empfindlichsten und wichtigsten Räume unseres Planeten. Ein rundum gelungenes Leseerlebnis für die ganze Familie und eine uneingeschränkte Empfehlung für alle, die das Fernweh packen soll.
Fazit: Sehr zu empfehlen.
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Serie: The East Palace – Miniserie (abgeschlossen)
Wenn die Geister der Vergangenheit den Thron erzittern lassen.
Mit südkoreanischen Genre-Produktionen hat Netflix in den letzten Jahren immer wieder Maßstäbe gesetzt, und das im Sommer veröffentlichte Historien-Spektakel The East Palace (Originaltitel: Donggung) steht da in nichts nach. Regisseur Choi Jung-kyu inszeniert hier eine achteilige Miniserie, die das traditionelle, oft starre historische Period-Drama (Sageuk) radikal aufbricht und mit brutalem Okkult-Horror, schamanischen Mythen und rasanter Action anreichert. Das Ergebnis ist eine visuell berauschende, erzählerisch jedoch gelegentlich überladene Achterbahnfahrt in die tiefsten Abgründe der fiktiven Joseon-Dynastie.
Die Prämisse greift tief in die Kiste des klassischen Palast-Thronkampfes, verleiht dem Intrigenspiel jedoch eine zutiefst übernatürliche Note. Als die Erben des Königs nacheinander an einer mysteriösen Krankheit sterben und das Gerücht die Runde macht, ein bösartiger Teichgeist verfluche das Herrscherhaus, greift Monarch Yeon zu drastischen Mitteln. Er engagiert den arroganten, unkonventionellen Geisterjäger Gu-cheon. Der besitzt die seltene Fähigkeit, in das finstere Reich der Toten (Gwi) hinabzusteigen. Ihm zur Seite gestellt wird die unerschrockene Hofdame Saeng-gang, die seit ihrer Geburt die Stimmen der Verstorbenen hören kann.
Die Dynamik zwischen den beiden Hauptdarstellern ist das emotionale Herzstück der Serie und erinnert in ihren besten Momenten an ein historisches Ermittler-Duo à la Akte X. Die Chemie zwischen den beiden pendelt stark zwischen trockenem Humor, gegenseitigem Misstrauen und einer spürbaren, unterschwelligen Anziehung. Besonders faszinierend geraten jene Szenen, in denen die Welten visuell miteinander verschmelzen. Während Gu-cheon in der albtraumhaften Geisterwelt mit dem Schwert gegen groteske Kreaturen kämpft, muss Saeng-gang in der Realität die Fäden ziehen, um ihn in der Diesseits-Ebene zu verankern.
Visuell zieht die Produktion, die Gerüchten zufolge ein gigantisches Budget verschlungen hat, alle Register. Die echten Kulissen im Mungyeong-Saejae-Park stehen in einem meisterhaften Kontrast zur CGI-animierten Unterwelt. Während das historische Joseon in satten Farben und majestätischer Symmetrie erstrahlt, ist das Reich der Toten ein aschfahl-rotes, auf dem Kopf stehendes Spiegelbild voller Nebel und albtraumhafter Kreaturen. Die Kameraarbeit nutzt mutige, desorientierende Winkel, die die paranoide Atmosphäre im verfluchten Ostpalast perfekt einfangen. Was als klassischer Geister-Thriller beginnt, wandelt sich im Laufe der acht Episoden zunehmend in eine bitterböse Parabel über Machtmissbrauch. Die Serie scheut sich nicht vor einer klaren politischen Botschaft: Am Ende sind es nicht die grotesken Dämonen, die das größte Entsetzen auslösen, sondern die unbarmherzige Kälte und die moralische Verderbtheit der lebenden Herrscher.
Trotz allem Lob ist The East Palace nicht frei von handwerklichen Mängeln. In der zweiten Hälfte neigt das Drehbuch dazu, sich in den eigenen Twists und der zunehmend komplexer werdenden Mythologie zu verheddern. Ständig werden neue Regeln für die Geisterwelt eingeführt oder gebogen, was dem Erzähltempo stellenweise den Wind aus den Segeln nimmt und den Zuschauer etwas ratlos zurücklassen kann. Auch das bewusste Offenlassen einiger Handlungsstränge im Finale, ein klarer Wink in Richtung einer potenziellen zweiten Staffel, dürfte nicht jedem Fan schmecken, der auf eine vollkommen runde Auflösung gehofft hatte.
Unter dem Strich bleibt jedoch ein packendes, inszenatorisch erstklassiges Stück Dark-Fantasy. Wer über ein paar erzählerische Stolpersteine und die typisch koreanische Melodramatik hinwegsehen kann, bekommt mit The East Palace eine der atmosphärisch dichtesten und bildgewaltigsten Serien des Jahres geboten. Ein absolut lohnenswerter Binge-Watch für alle Horror- und Asia-Fans.
Fazit: Empfehlenswert.
Film: Mercy (2026)
Netter Thriller.
Sci-Fi/Thriller mit Chris Pratt von Timur Bekmambetow. 101 Min.
Inhalt: In einer nahen Zukunft, in der ein KI-gestütztes Gerichtssystem Verbrechen blitzschnell verhandelt, wird ein Detektiv beschuldigt, seine Frau ermordet zu haben, und vor die künstliche Richterin Maddox gestellt. Er hat nur wenig Zeit und begrenzte Ressourcen, um gegen eine Masse digitaler Beweise anzukämpfen, seine Ermittlerinstinkte einzusetzen und die Wahrheit aufzudecken. Während er tiefer gräbt, entdeckt er verborgene Hinweise in Überwachungsvideos, sozialen Netzwerken und Datenmustern.
Mit dem Science-Fiction-Thriller Mercy liefert Regisseur Timur Bekmambetov ein hochaktuelles Kammerspiel, das das Publikum und die Fachpresse sichtlich spaltet. Die Prämisse führt uns in ein dystopisches Los Angeles der nahen Zukunft, in dem ein von Chris Pratt gespielter Detective des Mordes an seiner Frau beschuldigt wird. Ihm bleiben exakt 90 Minuten, um seine Unschuld vor einer hochentwickelten KI-Richterin, verkörpert von Rebecca Ferguson, zu beweisen. Der Film punktet mit einer stark komprimierten Echtzeit-Spannung, die durch ein tickendes Zeitlimit und ein visuelles „Schuldig-Meter“ effektiv untermauert wird. Allerdings verheddert sich das Drehbuch zunehmend in seinen eigenen Ambitionen. Während der Ansatz, die Gefahren von KI im Justizsystem zu hinterfragen, durchaus packend anfängt, verflacht die Handlung in der zweiten Hälfte zu einem vorhersehbaren, klischeehaften Cyber-Thriller. Die schauspielerischen Leistungen sind solide, doch die gesellschaftskritischen Untertöne weichen am Ende zu oft plattem Action-Slapstick und aufdringlichem Product-Placement. Wer einen kurzweiligen Genrefilm für zwischendurch sucht, wird ordentlich unterhalten, doch ein visionäres Meisterwerk im Stile von Minority Report sollte man hier nicht erwarten.
Fazit: Kann geschaut werden.
Spiel: Next Station London (Pegasus Spiele)
Clevere Zugmalerei.
Von Matthew Dunstan (ca. 25-30 Min.; 1-4 Spieler)
Next Station London beweist, dass moderne „Flip-and-Write“-Spiele kein kompliziertes Regelwerk brauchen, um strategischen Tiefgang zu erzeugen. Der für den renommierten Spiel des Jahres nominiert gewesene Titel von Matthew Dunstan wirft die Spieler direkt in die Rolle von Verkehrsplanern, die das legendäre U-Bahn-Netz der britischen Hauptstadt neu entwerfen sollen.
Das Spielprinzip ist denkbar simpel und innerhalb weniger Minuten erklärt. Jeder Teilnehmende erhält einen Abreißzettel, der einen in 13 Stadtbezirke unterteilten, abstrakten Plan von London zeigt, sowie einen von vier bunten Holzstiften. Das Spiel verläuft über genau vier Runden. In jeder Runde übernimmt ein anderer Buntstift die Federführung, sodass am Ende jeder einmal jede Farbe, also vier U-Bahn-Linien, gezeichnet hat.
Der Ablauf einer Runde wird komplett über einen zentralen Kartenstapel gesteuert. Ein Spieler deckt nacheinander Stationskarten auf, die Symbole wie Kreise, Dreiecke, Quadrate oder Fünfecke zeigen. Gleichzeitig verbindet nun jeder auf seinem Zettel die aktuelle Linie entlang vorgegebener, hellgrauer Rasterlinien mit einer angrenzenden Station des entsprechenden Symbols. Gestartet wird immer am festen Startpunkt der jeweiligen Farbe. Danach darf die Linie nur an ihren beiden offenen Enden fortgesetzt werden. Eine Runde endet sofort, sobald die fünfte rosa oder gelb-lila unterirdische Stationskarte aufgedeckt wird, was dem Spiel ein subtiles Push-your-Luck-Element verleiht, da die Rundenlänge variiert.
Die planerische Herausforderung ergibt sich aus den strikten Bauvorschriften: Eigene Linien dürfen sich niemals kreuzen, Streckenabschnitte dürfen nicht doppelt genutzt werden und Bahnhöfe dürfen pro Farbe nur einmal angefahren werden. Wer sich hier unüberlegt in eine Sackgasse manövriert, muss bei den nächsten Karten unweigerlich passen.
Die Punktevergabe am Ende jeder Runde belohnt eine kluge Balance aus Expansion und Verdichtung. Bewertet wird, in wie vielen unterschiedlichen Stadtbezirken eine Linie unterwegs ist, multipliziert mit der höchsten Anzahl an Stationen in einem einzelnen Bezirk. Zusätzliche Punkte winken für jede Überquerung der Themse sowie für das Anfahren von Touristenzielen. Am Ende des gesamten Spiels fallen zudem Umsteigebahnhöfe schwer ins Gewicht, also Stationen, an denen sich zwei, drei oder gar alle vier farbigen Linien kreuzen.
Wer nach ein paar Partien mehr Varianz sucht, kann die beiliegenden Modulkarten nutzen. Diese bringen gemeinsame Bonusziele oder individuelle asymmetrische Fähigkeiten für die Stifte ins Spiel, was den Wiederspielwert spürbar anhebt.
Next Station London überzeugt als flottes, hochgradig zugängliches Familienspiel, das trotz seiner solitären Natur, denn jeder optimiert grübelnd den eigenen Zettel vor sich her, eine enorme Sogwirkung entfaltet. Positiv hervorzuheben ist die hochwertige Aufmachung in der kompakten Magnetbox und das charmante Gefühl, tatsächlich einen echten U-Bahn-Fahrplan zu erschaffen. Einzig die Abrechnung nach jeder Runde erfordert anfangs etwas Konzentration, und die feinen, gelben Bezirksgrenzen auf dem Block können bei schummrigem Licht schlechter lesbar sein. Wer jedoch ein cleveres, kurzweiliges Taktikspiel für zwischendurch oder für Solorunden sucht, macht mit dieser London-Reise definitiv alles richtig.
Fazit: Empfehlenswert.
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Serie: Reacher – Staffel 4
Weiterhin gut.
Mit der vierten Staffel von Reacher beweist Hauptdarsteller Alan Ritchson einmal mehr, dass er die physische Präsenz der Romanvorlage perfekt verkörpert, auch wenn die Serie auf der Zielgeraden ein paar optische Schwächen offenbart. Wem die Serie bisher gefallen hat, der wird auch hier wieder seine Freude damit haben.
Die vierte Runde der Action-Serie setzt gewohnt auf schnörkellose Ermittlungen, trockenen Humor und knallharte Kämpfe. Ein echtes Highlight sind diesmal die drei Nebencharaktere an Reachers Seite, die ihn durch die Story begleiten. Sie harmonieren fantastisch mit dem hünenhaften Ermittler, bringen frische Dynamik in die Handlung und überzeugen durch starke, eigenständige Persönlichkeiten. Ein kleiner Wermutstropfen bleibt jedoch kurz vor dem Ende, denn ausgerechnet die vorletzte Episode enttäuscht durch eine überraschend billige Optik, bei der schwache Effekte kurzzeitig den Gesamteindruck trüben. Umso versöhnlicher stimmt dafür das packende Finale. Hier besinnt sich die Produktion wieder voll auf ihre Stärken und entschädigt die Zuschauer mit einem absolut großartigen Showdown.
Sehr gelungen finde ich weiterhin, dass alle vier Staffeln komplett unabhängig voneinander sind. Man kann also getrost die vierte Staffel schauen, wenn man die ersten drei nicht kennt. Alle drei sind in sich geschlossen und erzählen unterschiedliche Geschichten.
Für Nachschub ist übrigens schon gesorgt. Während das mit Spannung erwartete Spin-off rund um die Fan-Favoritin Neagley das Serien-Universum erweitert, steht die Produktion der fünften Staffel von Reacher bereits in den Startlöchern.
Fazit: Empfehlenswert.
Film: Minions & Monster (2026)
Für Kinder.
Animation/Komödie/Abenteuer mit Christoph Waltz von Pierre Coffin. 89 Min.
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Inhalt: In den 1920er-Jahren arbeiten die Minions in Hollywood in der Filmindustrie. Da sie ihren eigenen Monsterfilm drehen wollen, beschließen sie, ihre eigenen Kreaturen zu erschaffen. Bald müssen sie den Planeten jedoch von ihrem eigenen Chaos retten.
Mit dem neuen Animationsabenteuer Minions & Monster liefert Illumination genau das, was man von dem Franchise erwartet: eine bunte, turbulente und extrem temporeiche Chaos-Komödie rund um das alte Hollywood. Regisseur Pierre Coffin setzt erneut ganz auf das bewährte Erfolgsrezept aus Slapstick, unverständlichem Minion-Gequassel und schrillen Monstern. Während der Film visuell gewohnt professionell glänzt, zeigt er beim Publikum jedoch eine deutliche emotionale Spaltung. Wie gut der Streifen ankommt, hängt extrem stark vom Alter der Zuschauer ab. Für die ganz Kleinen ist das farbenfrohe Spektakel ein absoluter Hit. Mein kleiner Sohn war komplett begeistert und kam aus dem Lachen gar nicht mehr heraus. Ältere Kinder hingegen spüren bereits die Abnutzungserscheinungen der Reihe. Meine ältere Tochter fand das Hollywood-Abenteuer zwar okay, mehr aber auch nicht. Als Erwachsener verliert man bei den ewig gleichen Gag-Mustern ohne echten Tiefgang schließlich ganz den Anschluss. Ich selbst bin während der 90 Minuten Laufzeit sogar eingeschlafen. Unterm Strich bleibt ein harmloser Familienfilm, der als reiner Babysitter-Film perfekt funktioniert, den Rest der Familie aber eher unberührt zurücklässt.
Fazit: Kann probiert werden.
Spiel: Qork (Game Factory)
Flotter Korkenwettkampf.
Von Birger Norup (ca. 10-25 Min.; 3-8 Spieler)
Qork erweist sich als ein extrem rasant ausgetragenes Reaktionsspiel, das das klassische Konzept bewährter Partyklassiker in ein modernes Gewand kleidet. Das Spielprinzip ist denkbar unkompliziert und lässt sich in wenigen Sekunden erklären, erfordert von allen Beteiligten jedoch ununterbrochene Aufmerksamkeit. Eine Person übernimmt die Rolle des Würfelnden und schüttelt zwei große Würfel in einem Becher, während alle anderen Mitspielenden einen kleinen Korken an einer Schnur auf einer zentralen Matte in der Tischmitte platzieren. Sobald der Becher gelüftet wird und die Würfel entweder einen Pasch oder die Summe sieben zeigen, muss der Würfelnde den Becher blitzschnell auf die Matte schlagen, um die Korken einzufangen. Die anderen Personen müssen im selben Bruchteil einer Sekunde reagieren und ihre Korken an der Schnur in Sicherheit ziehen. Wer gefangen wird oder fälschlicherweise bei einem falschen Würfelergebnis voreilig an der Schnur zieht, kassiert Minuspunkte.
Das kurzweilige Spektakel lebt von der ständigen Anspannung, schnellen Reflexen und der Möglichkeit, die Kontrahenten durch angetäuschte Becherbewegungen oder falsche Ansagen bewusst in die Irre zu führen. In kleiner Besetzung plätschert die Dynamik zwar manchmal etwas zäh dahin, doch in größeren Gruppen entfaltet der Titel ein herrlich chaotisches und stimmungsvolles Partyvergnügen. Unterm Strich liefert das Spiel ein absolut solides und schnörkelloses Erlebnis für gesellige Runden, das zwar keine strategischen Meisterleistungen fordert, dafür aber verlässlich für Action und kollektive Lacher am Tisch sorgt.
Fazit: Kann probiert werden.
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Buch: Cognetti, Paolo – Gehen, ohne je den Gipfel zu besteigen
Schöner Wanderbericht aus Nepal.
Mit seinem Bestseller Acht Berge hat sich Paolo Cognetti fest in der alpinen Gegenwartsliteratur etabliert. In seinem Werk Gehen, ohne je den Gipfel zu besteigen verlässt der italienische Autor die vertrauten Alpen und nimmt die Leser mit auf eine mehrwöchige Expedition in die nepalesische Dolpo-Region im Himalaja. Es handelt sich hierbei jedoch nicht um einen klassischen, actiongeladenen Reisebericht über extreme Erstbesteigungen, sondern um ein leises, introspektives Reisetagebuch, das den Fokus ganz auf den meditativen Charakter des Wanderns legt.
In einer unaufgeregten, präzisen und feinen Sprache schildert Cognetti den Alltag des Gehens in extremen Höhen, die körperlichen Grenzen und die Dynamik innerhalb seiner kleinen Reisegruppe. Das Buch zeichnet sich durch eine angenehme Nüchternheit aus. Der Autor verzichtet auf verklärten Kitsch oder künstliche Dramatisierung. Stattdessen fängt er die karge Schönheit der Landschaft, die Begegnungen mit der lokalen Bevölkerung und die ständige Präsenz des literarischen Vorbilds Peter Matthiessen ein. Auf knapp 128 Seiten entfaltet sich so eine ruhige Erzählung über Achtsamkeit, das Loslassen und die schlichte Erkenntnis, dass der Weg manchmal völlig ausreicht. Wer eine spektakuläre Bergsteiger-Chronik sucht, wird hier eventuell Tiefe vermissen, für Liebhaber entschleunigter Naturbeobachtungen und philosophischer Reiseberichte bietet das Buch jedoch einen lesenswerten, unaufdringlichen Einblick in eine der abgelegensten Regionen der Welt.
Fazit: Empfehlenswert.
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Serie: Blutopfer – Miniserie (abgeschlossen)
Netter Thriller aus Schweden.
Mit Blutopfer schickt Netflix eine neue schwedische Miniserie ins Rennen, die sich im Kern als klassischer, düsterer Nordic-Noir-Thriller präsentiert. Aufgeteilt in fünf Episoden entfaltet die Produktion eine recht solide Grundspannung und versucht, das Rad des Genres zwar nicht komplett neu zu erfinden, aber dennoch mit bekannten Mustern zu spielen.
Das Fundament der Geschichte weiß dabei durchaus zu gefallen. Der eigentliche Plot rund um den brutalen Serienmörder, der gezielt Polizisten in mörderische Fallen lockt, ist recht nett konstruiert. Die morbide Prämisse liefert anfangs eine packende Dynamik und weckt das Interesse, den Motiven hinter den grausamen Taten auf den Grund zu gehen. Die düstere Bildsprache und das unbehagliche Setting Stockholms im Sommer tragen gut zur anfänglichen Atmosphäre bei.
Leider schafft es die Serie im weiteren Verlauf nicht, diesen Fokus konsequent beizubehalten. Die Drehbuchautoren legen stattdessen einen massiven Fokus auf die schwierige Vater-Sohn-Beziehung zwischen dem ermittelnden Kommissar Thomas Berg und seinem in Ungnade gefallenen Vater Alfred. Gepaart mit der ständigen Sezierung moralischer Grauzonen innerhalb der Polizeiarbeit und des persönlichen Umfelds nimmt dieses Familiendrama schlichtweg zu viel Platz ein. Die eigentliche Kriminalisierung rückt dadurch immer wieder spürbar in den Hintergrund, wodurch der Spannungsbogen merklich an Intensität verliert.
Wenn das Erzähltempo durch die privaten Päckchen der Figuren ohnehin schon strapaziert wird, hofft man als Zuschauer zumindest auf einen packenden Knalleffekt zum Abschluss. Das lang gezogene Showdown am Ende war dann leider auch etwas enttäuschend. Statt eines cleveren, logischen Finales flüchtet sich die letzte Episode in altbekannte Klischees, unüberlegte Solo-Gänge und ein erzählerisch eher unrundes Gerangel, das dem vielversprechenden Start der Serie nicht ganz gerecht wird.
Fazit: Kann geschaut werden.
